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Isaac Albéniz

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Biografía de Isaac Albéniz
Dominio Público

Biografía de Isaac Albéniz

Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (29 de mayo de 1860 – 18 de mayo de 1909) Nació en Camprodón, España. Compositor y pianista español, considerado uno de los compositores más importantes del siglo XIX, especialmente por sus obras para piano de corte nacionalista como las obras: Cantos de España y Catalonia: suite populaire pour orchestre en trois parties. Albéniz fue un niño prodigio, con sólo cuatro años hizo su debut como pianista y posteriormente fue presentado en el Teatro Romea de Barcelona. Se formó como compositor y pianista en Barcelona, Madrid y Bruselas y fue discípulo del reconocido compositor, Felipe Pedrell. Fue un prolífico compositor de temas para teatro, piano y otros instrumentos. De su extensa obra sobresalen: Suite española (1886), Rapsodia española (1887) e Iberia (1906-1909), así como las óperas: El Ópalo mágico (1893) y Pepita Jiménez (1896).

Familia e inicios

Hijo de Ángel Lucio Albéniz y Gauna y María de los Dolores Pascual. Albéniz tuvo tres hermanas: Blanca, Clementina y Enriqueta. Desde temprana edad su familia cultivó en él, el amor por la música y el arte. Durante los primeros años de formación recibió lecciones de piano de su hermana. Cuando cumplió los cuatro años, su padre preparó su primer concierto en publicó y poco tiempo después lo presentó en el Teatro Romea de Barcelona. Después de su exitoso debut, tomó clases de música en Barcelona e intentó, infructuosamente, ingresar en el Conservatorio de París.

A los ocho años se trasladó a Madrid, donde prosiguió con sus estudios asistiendo a las clases Mendizábal en el Conservatorio. Siendo todavía menor se fugó de su casa para viajar por diversos lugares de Europa y América, visitó algunos pueblos de Castilla en los que preparó sus propios conciertos y después se embarcó rumbo a Puerto Rico. Durante su viaje deleito a los pasajeros tocando algunas de sus obras a cambio de dinero para el pasaje. En el trascurso de su viaje por América, visitó Argentina, Uruguay, Brasil y Cuba.

Después de un largo viaje, regresó a Madrid a comienzos de la década de 1870. Al regresar se concentró en su formación académica con la ayuda del secretario del rey Alfonso XII, el conde de Morphy, quien se convirtió en su mecenas. Estudió en el conservatorio de Bruselas entre 1875 y 1878, con el apoyo del rey Alfonso XII. Tras terminar sus estudios se trasladó por corto tiempo a Budapest, donde conoció al reconocido compositor Franz Liszt. A comienzos de la década de 1880, se estableció en Barcelona, donde contrajo matrimonio con Rosa Jordana y Lagarrida y conoció al compositor Felipe Pedrell, quien desde entonces influyó profundamente en la obra de Albéniz.

Fue éste quien dirigió la atención del compositor hacia la música popular española, señalándole la importancia de exaltar y tomar en cuenta sus raíces en la creación de sus piezas. Desde entonces, Albéniz, que hasta ese momento se había enfocado en la música de salón, agradable y romántica, decidió dedicarse a la creación de piezas de inspiración nacional. Su música de tinte nacionalista comenzó a perfilarse hacia mediados de la década de 1880, con la obra Suite española (1886), que contiene las piezas, Granada, Cataluña, Sevilla, Cádiz, Asturias, Aragón, Castilla y Cuba.  Interesado por el teatro, Albéniz escribió diversas piezas para teatro como El Ópalo mágico (1893), Pepita Jiménez (1896), Merlín (1897-1902) y Launcelot (1902-1904).

A finales de la década de 1880, escribió las obras Rapsodia española para piano y orquesta (1887) y las Escenas sinfónicas catalanas (1888-1889), además de numerosas piezas instrumentales como: Mazurca de salón, Vals champagne, Amalia, Ricordatti, Serenata española y España: seis hojas de álbum.  En las ultimas décadas de su producción artística, la obra de Albeníz, se vio influenciada por el impresionismo y el lenguaje moderno de artistas como Debussy y Liszt, esto se vio reflejado en la mayoría de sus piezas instrumentales como Zambra granadina, Zorcico, Tres improvisaciones en fa sostenido e Yvonne en visite!, así como en su pieza más conocida, Iberia (1906-1909).  Esta obra compuesta por doce piezas en cuatro cuadernos, es una de las composiciones más complejas de la obra de Albeníz, en ella se puede apreciar los ritmos característicos de la danza española y la elegancia de la música de salón. Esta obra de tinte nacionalista e influenciada por el lenguaje moderno, habla de los sentimientos de amor y arraigo del compositor por su querida España.

En 1902, Albeníz se trasladó a Francia, donde continuó escribiendo piezas instrumentales y escénicas. Durante su estancia en Niza, escribió las obras Iberia (1906-1909), Navarra, Yvonne en visite! y Launcelot. Posteriormente se mudó a Cambo les Bains, ciudad en la que escribió su última obra, Azulejos. Albeníz falleció en Cambo les Bains, el 18 de mayo de 1909, a causa de una nefritis.

Obra

En la obra de este prolífico compositor español se puede distinguir tres épocas. La primera abarca desde sus inicios hasta la década de 1880, en esta se puede apreciar un estilo clásico, agradable y romántico, influido por la música de salón. Entre las piezas más destacadas de este periodo están sus sonatas para piano, los Seis pequeños valses y las Suites anciennes. La segunda etapa, es el periodo nacionalista que inicio a mediados de la década de 1880 y se extendió hasta comienzos del siglo XX, abarcando la mayoría de su obra. Esta etapa estuvo inscrita en la corriente artística denominada, alhambrismo, la cual se caracterizó por el uso de ritmos de danzas populares y elementos del cante jondo.

La mayoría de las obras escritas en estos años se inspiraron en el folclor español y los sonidos propios de la danza española. De esta etapa sobresalen las obras, Suite española (1886), Rapsodia española para piano y orquesta (1887), Doce piezas características (1888) y Escenas sinfónicas catalanas (1888-1889). La tercera etapa de la obra de Albéniz, abarca los últimos años de su producción musical, escrita en Franca. En esta etapa se aprecia la influencia del impresionismo musical francés y la obra de los reconocidos compositores, Maurice Ravel, Claude Debussy, Gabriel Fauré, Ernest Chausson y Franz Liszt. De esta etapa sobresale su obra más conocida, Iberia (1906-1909).

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Boris Arvatov

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Biografía de Boris Arvatov
Tomada de http://intranet.pogmacva.com/en/autores/34937

Biografía de Boris Arvatov

Boris Ignatievich Arvatov (1896-1940) fue un artista, escritor y critico de arte ruso, activo en el movimiento constructivista. Nacido en una familia de juristas, Arvatov tuvo sus inicios literarios en Varsovia. Fue miembro del Partido Comunista desde 1918 y estuvo involucrado, junto a otros, en el  Instituto de Cultura Artística. Allí conoció a los teóricos vanguardistas Osip Brik, Nikolai Tarabukin y  Boris Kushner. Fue miembro fundador de LEF . Su obra principal Arte y Producción apareció por primera vez en 1926.

Vida

Arvatov nació en Vilkaviškis en un familia de juristas. Su padre era especialista en derecho aduanero.  Tenía dos hermanos: Yuri y Vadim. Sus inicios literarios se produjeron en Varsovia. En 1918 se unió al Partido Comunista y como comisario político, en la década de 1920,  participó en la guerra polaco-soviética. Desde 1918  llevó a cabo una intensa actividad teórica y práctica dentro de los Proletkult (proletárskaya kultura) de Moscú.

Constructivismo y productivismo

Iskusstvo i klassy,

Iskusstvo i klassy, 1923.Tomada de monoskop.org/Boris_Arvatov

Estuvo involucrado con el Instituto de Cultura Artística (Injuk), cuando este se fundó en 1920. En el instituto conoció a sus compañeros teóricos Osip Brik, Boris Kushner y Nikolai Tarabukin, con quienes desarrolló el enfoque productivista del papel del ‘artista’. Como muchos otros constructivistas de origen ruso, Arvatov creía que el arte debía orientarse hacia un enfoque más industrial, donde se produjeran objetos que fueran socialmente útiles, aunque conservando la estética.

Fue uno de los miembros fundadores de LEF, colectivo cuyas iniciales daban título a su vez a una famosa revista de vanguardia. Arvatov fue uno de los principales difusores y defensores de la teoría estética del productivismo. En 1926 publicó su obra más conocida, titulada Arte y producción. También se destacan: Iskusstvo i klasy (Arte y clases sociales), de 1923; Sotsiologicheskaia poetika (La poética sociológica) de 1928; y  Ob agit i proz-iskusstve (Sobre el arte productivista y de agitación) de 1930.

Muerte

Aratov se suicido en 1940, después de pasar diez años en un sanatorio psiquiátrico.

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Alexander Vesnin

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Biografía de Alexander Vesnin
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Biografía de Alexander Vesnin

Alexander Aleksandrovich Vesnin (28 de mayo de 1883 – 7 de septiembre de 1959) Arquitecto ruso, que junto a su hermanos, Leonid y Viktor, fue un referente de la arquitectura constructivista. Habiendo estudiado en Moscú y San Petersburgo,  Vesnin entró en contacto, a principios de la década de 1910, con el cubismo y posteriormente se adscribió al constructivismo. En el taller de Tatlin conoció a Popova y Udaltsova; también estuvo en contacto con Ródchenko. Su trabajo fue parte de la exposición 5×5=25. Vesnin combinó la practica de la arquitectura y de la pintura a lo largo de su vida. Se distinguió especialmente por su dibujos en perspectiva.

Primeros años

Vesnin nació en Yúrievets, el 28 de mayo de 1883. Estudió ingeniería en Moscú y San Petersburgo al igual que sus dos hermanos mayores, Leonid (1880-1933) y Viktor (1882-1950), con quienes desarrollo la mayor parte de su carrera.  Más tarde asistió a clases con el pintor impresionista Konstantin Yuon e  interesado en las vanguardias, entre 1913 y 1914, experimentó con el cubismo en el taller de  Tatlin. En el taller conoció, entre otras, a las pintoras Liubov Popova y Nadeshda Udaltsova, ambas  grandes iconos de la vanguardia rusa.

Trayectoria y arte

Vesnin para Fedra.

Bocetos de Alexander Vesnin para Fedra. Dirección: A. Tairov, 1923

En el año 1918 , y con motivo de la celebración de la fiesta del 1 de mayo, participó en la decoración de la Plaza Roja de Moscú. Ya hacia 1920 comenzó a trabajar como escenógrafo. Colaboró  frecuentemente con Popova diseñando escenarios para festivales y para el teatro de Tairov. Una de sus principales puestas en escenas fue, sin duda,  El hombre que fue jueves, de Gilbert K. Chesterton, en 1923. Como muchos otros artistas constructivistas, Vesnin también se tomo el tiempo para enseñar. Entre 1921 y 1924 fue profesor en los Vjutemas (Talleres Superiores Artístico-Técnicos), donde trabajó nuevamente con Popova.

Durante esos años también colaboró en el Instituto de Cultura Artística (Injuk); allí conoció a otros pintores y artistas como el fotógrafo constructivista Aleksandr Ródchenko. Junto a este, Popova, Varvara Stepánova y Alexandra Ekster, Vesnin participó en la famosa exposición 5 x 5 = 25 de 1921.

Del suprematismo al constructivismo

Composicion abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Composición abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Desde finales de la década de 1910, Vesnin se había sentido atraído por el suprematismo, con el tiempo derivo en el constructivismo. Con sus hermanos intento llevar a termino los principios constructivistas, lo cual es patente en el diseño del Palacio del Trabajo de Moscú, que realizó con sus hermanos, o en el edificio del periódico Pravda ubicado en Leningrado. A Vesnin también se le debe la fundación de la OSA (Unión de Arquitectos Contemporáneos), creada en 1925 junto con Moisey Ginzburg.

Otros construcciones suyas son: la Estación Hidroeléctrica Dniéper, el edificio Club of Society of former political prisoners and exiles y el ZIL Culture Centre.

Últimos años

Después del regreso al Clasicismo a la Unión Soviética, Vesnin y sus hermanos no tuvieron más proyectos importantes.  La falta de encargos  llevó a que, tras la Segunda Guerra Mundial, Vesnin se dedicara fundamentalmente a la pintura y el dibujo. En este respecto, se destacan sus dibujos geométricos y en perspectiva.

Alexander Vesnin falleció el  7 de septiembre de 1959 en Moscú.

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Varvara Stepánova

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Biografía de Varvara Stepánova
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Biografía de Varvara Stepánova

Varvara Fiódorovna Stepánova (1894-1858) fue una artista polifacética rusa, celebre exponente del constructivismo. Pintora, poeta y diseñadora gráfica, junto a su amiga Popova, renunció al caballete en favor de una arte utilitario. Diseño ropa, escenarios y varias publicaciones. Junto a su esposo, Aleksandr Ródchenko, Stepánova fue uno de los pilares del constructivismo. Participó en la famosa exposición de 1921  5 x 5 = 25.

Vida

De familia campesina, Stepánova nació en Kaunas en 1894. En 1910 comenzó estudios en el Instituto de arte de Kazan, donde conoció a su futuro esposo, el artista constructivista ruso Aleksandr Ródchenko. Con este se trasladó Moscú en 1912  y estando allí frecuentó el Instituto Stroganov.

Stepánova representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la revolución. En los años que precedieron a la Revolución de 1917 compartió un apartamento en Moscú con Kandinski y Ródchenko. Por medio de Kandinski conoció a Aleksandra Ekster y a Liubov Popova, otras dos grandes artistas de la vanguardia rusa.

Constructivismo

Antes de militar en el constructivismo, Stepánova  diseñó obras cubofuturistas. Como constructivista, se comprometió con la idea del que el arte  debía de ser útil y accesible para todos. Fue miembro del Instituto de Cultura Artística(Injuk), dirigido por Kandinski , y en 1921, firmó el manifiesto con el que se anunciaba la renuncia a la pintura de caballete en favor de un arte más utilitario. Con este manifiesto, firmado por varios artistas del Injuk, surgió el productivismo.

Con Popova, se dedicó al diseño gráfico y textil, construyó escenografías y publicaciones. Compagino su actividad artística con otros trabajos. Entonces, fue secretaria en una fabrica y saco tiempo para la docencia. El año del manifiesto, Stepánova participó también en la famosa exposición 5 x 5 = 25. En la exposición se mostraron las obras de su esposo, Exter y Popova, y las de otros artistas de vanguardia.

Stepánova fue, así, pilar del constructivismo y una de las principales diseñadoras del comunismo visual. Su obra poética estaría influenciada por los poetas del futurismo ruso.   Se la conocía como La artista frenética, por sus ganas  frenéticas de experimentar y probarlo todo.

Stepánova falleció  el 20 de mayo de 1958 en Moscú.

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