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El Greco

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Biografía de El Greco
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Biografía de El Greco

El Greco (1 de octubre de 1541 – 7 de abril de 1614), pintor griego. Su nombre real fue Domenikos Theotokopoulos. Proveniente de la región de Candía, Creta. Su padre Geórgios Theotokópoulos, fue comerciante y recaudador de impuestos y su madre provenía de una familia distinguida de Grecia. El Greco fue un joven muy culto, interesado por la pintura y la literatura clásica, era amante de la cultura bizantina.

Por ello, durante su primera etapa, el artista practicó la pintura conocida como allá greca, de influencia bizantina e hierática. Esta tendencia se caracterizó por referir escenas mitológicas, leyendas y batallas históricas de manera naturalista. También practicó la pintura allá latina, propia del Renacimiento italiano. Lo interesante aquí es que el Greco tuvo la habilidad de fusionar estas dos logrando un importante reconocimiento entre los pintores cretenses. Luego de abandonar su ciudad, emprende un viaje a la ciudad de Venecia sobre el año 1566. En la ciudad de los canales conocerá a Tiziano y Tintoretto, su intención no era ser discípulo sino tomar lo más relevante de la pintura renacentista.

Sus obras en este periodo fueron, La curación del ciego (1567), exponen la influencia de Tiziano en el color, así como la composición de las figuras y paisaje con gran profundidad, propios de Tintoretto. El Greco tuvo que adaptarse al lenguaje artístico italiano, ya que en un comienzo sus creaciones o aportes cuando se encontraba al lado de los pintores italianos eran poco entendidos y muchas veces cuestionados. Este pintor griego, a pesar de adaptarse no dejo su estilo propio. Fue descrito como un pintor extravagante y de espíritu innovador. Él no se acomodó a los dictados de la clientela religiosa.

Pasó a Roma, de 1570 a 1576, en donde siguió inspirándose y aprendiendo de artistas como Michelangelo Buonarroti, evidente en su pintura Pietà (1572), asimismo en Anunciación de época italiana (1577) esta fue pintada en Roma, pero contiene la huella del arte de Venecia, tanto en el colorido como en el manejo del espacio. El Greco viajó a España, llegó a Toledo en la primavera de 1577, en compañía de un joven llamado Francisco Preboste, su compañero incondicional que permaneció con él por más de 30 años como criado, ayudante, representante, colaborador íntimo, hombre de confianza y, sobre todo, amigo. Quizá por ello, El Greco nunca sintió la necesidad de casarse.

En esta ciudad se inclinó por el estilo artístico del manierismo, iniciado por Miguel Ángel y Rafael, en la última parte del Renacimiento. A lo largo del tiempo esta corriente artística comenzó a expandirse por Europa. En España, se consideraron manieristas, Juan de Juanes, Alonso Sánchez Coello y Juan Pantoja de la Cruz, estos estuvieron alejados de las influencias italianas. Distintos es el caso de Luis de Morales, que lo combinaron con la tradición hispanoflamenca, sobre todo, El Greco con obras como el Laoconte (1600). El Greco expresó la tensión religiosa con un exagerado manierismo, representando de modo realista la forma humana y la ejecutando con maestría la perspectiva. Las mayores influencias del manierismo en El Greco se perciben en los colores ácidos y opuestos, la perspectiva irracional, composiciones abarrotadas con un excelente tratamiento de la luz.

Cristo abrazado a la cruz (1580-85)

Mientras estuvo en España se vinculó al movimiento de la Contrarreforma. Trabajó para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo, para ellos realizó por encargo La Trinidad (1579); composición inspirada en un grabado de Alberto Durero. El caballero de la mano en el pecho (1584), fue una obra realizada para este periodo, retrato de gran popularidad y magistralidad.

El Greco le envió al rey Felipe II una muestra de su obra la Alegoría de la Liga Santa (1579) con la intención de conseguir participación en la realización de los frescos para el nuevo monasterio que se ubicaría en El Escorial, a cercanías de Madrid. Infortunadamente no logró su cometido. Aunque no cabe duda que este envió aumentó su fama. En la obra se evidencia su habilidad para fusionar la iconografía política con motivos medievales. Posteriormente, realizó para el monasterio el cuadro San Mauricio y la legión tebana. Previamente ya había realizo un espléndido trabajo por encargo de la catedral de Toledo: El expolio (1579) en ella se percibe la imagen de Cristo, rodeado por los que le han prendido.

Su fama se propagó por la ciudad, Andrés Núñez de Madrid le encargó uno de sus cuadros más popular: Entierro del Conde de Orgaz (1588), decoró la capilla de Santo Tomé. Por medio del conde de Orgaz, los espectadores podrán reflexionar sobre el ámbito terrenal y la parte divina, además invoca la fragilidad humana. En la obra se aprecia el alargamiento de figuras, características propias del manierismo. En su casa en Toledo, el Greco compartió con poetas como Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, nunca dejo su gusto por la literatura. También, entre 1605 a 1610 recibió miembros la nobleza y de la elite intelectual, los que varias veces le encargaron retratos.

Simultáneamente, realizó obras como El bautismo de Cristo (1600), La adoración de los pastores (1614), ambas reposan en el Museo del Prado. El griego trató temas de la mitología clásica, como el Laoconte (1614), y los temas bíblicos del Viejo Testamento, como su obra incompleta El quinto sello del Apocalipsis (1614).

Cuando su amigo incondicional se ausentó de su vida, el Greco conoció a la española Jerónima de las Cuevas; la madre de su único hijo, Jorge Manuel. Su hijo también se convirtió en pintor con su impulso. Mientras estaba realizando una obra para el Hospital de Tavera, en Toledo, enfermó gravemente, y un mes, el 7 de abril de 1614, falleció. Fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Como un homenaje a su labor artística en esta iglesia. Su hijo siguió trabajando en su taller por varios años y promoviendo las obras de su padre.

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Boris Arvatov

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Biografía de Boris Arvatov
Tomada de http://intranet.pogmacva.com/en/autores/34937

Biografía de Boris Arvatov

Boris Ignatievich Arvatov (1896-1940) fue un artista, escritor y critico de arte ruso, activo en el movimiento constructivista. Nacido en una familia de juristas, Arvatov tuvo sus inicios literarios en Varsovia. Fue miembro del Partido Comunista desde 1918 y estuvo involucrado, junto a otros, en el  Instituto de Cultura Artística. Allí conoció a los teóricos vanguardistas Osip Brik, Nikolai Tarabukin y  Boris Kushner. Fue miembro fundador de LEF . Su obra principal Arte y Producción apareció por primera vez en 1926.

Vida

Arvatov nació en Vilkaviškis en un familia de juristas. Su padre era especialista en derecho aduanero.  Tenía dos hermanos: Yuri y Vadim. Sus inicios literarios se produjeron en Varsovia. En 1918 se unió al Partido Comunista y como comisario político, en la década de 1920,  participó en la guerra polaco-soviética. Desde 1918  llevó a cabo una intensa actividad teórica y práctica dentro de los Proletkult (proletárskaya kultura) de Moscú.

Constructivismo y productivismo

Iskusstvo i klassy,

Iskusstvo i klassy, 1923.Tomada de monoskop.org/Boris_Arvatov

Estuvo involucrado con el Instituto de Cultura Artística (Injuk), cuando este se fundó en 1920. En el instituto conoció a sus compañeros teóricos Osip Brik, Boris Kushner y Nikolai Tarabukin, con quienes desarrolló el enfoque productivista del papel del ‘artista’. Como muchos otros constructivistas de origen ruso, Arvatov creía que el arte debía orientarse hacia un enfoque más industrial, donde se produjeran objetos que fueran socialmente útiles, aunque conservando la estética.

Fue uno de los miembros fundadores de LEF, colectivo cuyas iniciales daban título a su vez a una famosa revista de vanguardia. Arvatov fue uno de los principales difusores y defensores de la teoría estética del productivismo. En 1926 publicó su obra más conocida, titulada Arte y producción. También se destacan: Iskusstvo i klasy (Arte y clases sociales), de 1923; Sotsiologicheskaia poetika (La poética sociológica) de 1928; y  Ob agit i proz-iskusstve (Sobre el arte productivista y de agitación) de 1930.

Muerte

Aratov se suicido en 1940, después de pasar diez años en un sanatorio psiquiátrico.

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Alexander Vesnin

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Biografía de Alexander Vesnin
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Biografía de Alexander Vesnin

Alexander Aleksandrovich Vesnin (28 de mayo de 1883 – 7 de septiembre de 1959) Arquitecto ruso, que junto a su hermanos, Leonid y Viktor, fue un referente de la arquitectura constructivista. Habiendo estudiado en Moscú y San Petersburgo,  Vesnin entró en contacto, a principios de la década de 1910, con el cubismo y posteriormente se adscribió al constructivismo. En el taller de Tatlin conoció a Popova y Udaltsova; también estuvo en contacto con Ródchenko. Su trabajo fue parte de la exposición 5×5=25. Vesnin combinó la practica de la arquitectura y de la pintura a lo largo de su vida. Se distinguió especialmente por su dibujos en perspectiva.

Primeros años

Vesnin nació en Yúrievets, el 28 de mayo de 1883. Estudió ingeniería en Moscú y San Petersburgo al igual que sus dos hermanos mayores, Leonid (1880-1933) y Viktor (1882-1950), con quienes desarrollo la mayor parte de su carrera.  Más tarde asistió a clases con el pintor impresionista Konstantin Yuon e  interesado en las vanguardias, entre 1913 y 1914, experimentó con el cubismo en el taller de  Tatlin. En el taller conoció, entre otras, a las pintoras Liubov Popova y Nadeshda Udaltsova, ambas  grandes iconos de la vanguardia rusa.

Trayectoria y arte

Vesnin para Fedra.

Bocetos de Alexander Vesnin para Fedra. Dirección: A. Tairov, 1923

En el año 1918 , y con motivo de la celebración de la fiesta del 1 de mayo, participó en la decoración de la Plaza Roja de Moscú. Ya hacia 1920 comenzó a trabajar como escenógrafo. Colaboró  frecuentemente con Popova diseñando escenarios para festivales y para el teatro de Tairov. Una de sus principales puestas en escenas fue, sin duda,  El hombre que fue jueves, de Gilbert K. Chesterton, en 1923. Como muchos otros artistas constructivistas, Vesnin también se tomo el tiempo para enseñar. Entre 1921 y 1924 fue profesor en los Vjutemas (Talleres Superiores Artístico-Técnicos), donde trabajó nuevamente con Popova.

Durante esos años también colaboró en el Instituto de Cultura Artística (Injuk); allí conoció a otros pintores y artistas como el fotógrafo constructivista Aleksandr Ródchenko. Junto a este, Popova, Varvara Stepánova y Alexandra Ekster, Vesnin participó en la famosa exposición 5 x 5 = 25 de 1921.

Del suprematismo al constructivismo

Composicion abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Composición abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Desde finales de la década de 1910, Vesnin se había sentido atraído por el suprematismo, con el tiempo derivo en el constructivismo. Con sus hermanos intento llevar a termino los principios constructivistas, lo cual es patente en el diseño del Palacio del Trabajo de Moscú, que realizó con sus hermanos, o en el edificio del periódico Pravda ubicado en Leningrado. A Vesnin también se le debe la fundación de la OSA (Unión de Arquitectos Contemporáneos), creada en 1925 junto con Moisey Ginzburg.

Otros construcciones suyas son: la Estación Hidroeléctrica Dniéper, el edificio Club of Society of former political prisoners and exiles y el ZIL Culture Centre.

Últimos años

Después del regreso al Clasicismo a la Unión Soviética, Vesnin y sus hermanos no tuvieron más proyectos importantes.  La falta de encargos  llevó a que, tras la Segunda Guerra Mundial, Vesnin se dedicara fundamentalmente a la pintura y el dibujo. En este respecto, se destacan sus dibujos geométricos y en perspectiva.

Alexander Vesnin falleció el  7 de septiembre de 1959 en Moscú.

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Varvara Stepánova

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Biografía de Varvara Stepánova
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Biografía de Varvara Stepánova

Varvara Fiódorovna Stepánova (1894-1858) fue una artista polifacética rusa, celebre exponente del constructivismo. Pintora, poeta y diseñadora gráfica, junto a su amiga Popova, renunció al caballete en favor de una arte utilitario. Diseño ropa, escenarios y varias publicaciones. Junto a su esposo, Aleksandr Ródchenko, Stepánova fue uno de los pilares del constructivismo. Participó en la famosa exposición de 1921  5 x 5 = 25.

Vida

De familia campesina, Stepánova nació en Kaunas en 1894. En 1910 comenzó estudios en el Instituto de arte de Kazan, donde conoció a su futuro esposo, el artista constructivista ruso Aleksandr Ródchenko. Con este se trasladó Moscú en 1912  y estando allí frecuentó el Instituto Stroganov.

Stepánova representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la revolución. En los años que precedieron a la Revolución de 1917 compartió un apartamento en Moscú con Kandinski y Ródchenko. Por medio de Kandinski conoció a Aleksandra Ekster y a Liubov Popova, otras dos grandes artistas de la vanguardia rusa.

Constructivismo

Antes de militar en el constructivismo, Stepánova  diseñó obras cubofuturistas. Como constructivista, se comprometió con la idea del que el arte  debía de ser útil y accesible para todos. Fue miembro del Instituto de Cultura Artística(Injuk), dirigido por Kandinski , y en 1921, firmó el manifiesto con el que se anunciaba la renuncia a la pintura de caballete en favor de un arte más utilitario. Con este manifiesto, firmado por varios artistas del Injuk, surgió el productivismo.

Con Popova, se dedicó al diseño gráfico y textil, construyó escenografías y publicaciones. Compagino su actividad artística con otros trabajos. Entonces, fue secretaria en una fabrica y saco tiempo para la docencia. El año del manifiesto, Stepánova participó también en la famosa exposición 5 x 5 = 25. En la exposición se mostraron las obras de su esposo, Exter y Popova, y las de otros artistas de vanguardia.

Stepánova fue, así, pilar del constructivismo y una de las principales diseñadoras del comunismo visual. Su obra poética estaría influenciada por los poetas del futurismo ruso.   Se la conocía como La artista frenética, por sus ganas  frenéticas de experimentar y probarlo todo.

Stepánova falleció  el 20 de mayo de 1958 en Moscú.

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