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Artistas

Edmund de Waal

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Biografía de Edmund de Waal
Bernhard Holub, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Información personal
Nombre CompletoEdmund Arthur Lowndes de Waal
Nacimientoseptiembre 10, 1964
Edad57 años
OcupaciónArtista, ceramista y autor
NacionalidadInglesa
Cónyugue

Sue Chandler

Padres

Esther Aline de Waal y Victor de Waal

ReconocimientosCosta Biography Award (2011), el Ondaatje Prize (2011), Windham–Campbell Literature Prize (2015)...

Biografía de Edmund de Waal

Edmund Arthur Lowndes de Waal (10 de septiembre de 1964), más conocido como Edmund de Waal, es una artista, ceramista y autor inglés, que ha ganado reconocimiento gracias a sus instalaciones a gran escala de vasijas de porcelana. Maestro alfarero de profesión, en 2010, alcanzó la fama con su memoria La liebre con ojos de ámbar. Por esta recibió los premios Costa Book Award, Ondaatje Prize y el Windham–Campbell Literature Prize de 2015. Fue profesor de cerámica en la Universidad de Westminster de 2004 a 2011. Su segunda novela, The White Road, vio la luz en 2015.

Primeros años

De Waal nació en Nottingham (Inglaterra), hijo de Esther Aline de Waal y Victor de Waal. Su madre es una reconocida historiadora y experta en mitología celta, mientras que su padre se desempeñó como capellán en la Universidad de Nottingham. Es hermano del abogado John de Waal y el experto en el Cáucaso Thomas de Waal. Cursó estudios en la Lincoln School of Art y la The King’s School de Canterbury, interesándose desde muy pequeño por la cerámica. A los 17 años comenzó un entrenamiento de dos años con Geoffrey Whiting, maestro alfarero de la The King’s School. En 1983, ingresó a Trinity Hall de Cambridge. Se graduó con honores en 1986.

Inicios en la cerámica y trayectoria

Luego de la graduación, De Waal comenzó a seguir la disciplina de la cerámica trabajando en diferentes proyectos. Más tarde se trasladó a Herefordshire, donde construyó un horno y montó su propia alfarería, pero tuvo poco éxito. Poco después, en 1988, mudó a Sheffield y comenzó a trabajar con la porcelana. Gracias a una beca de la Fundación Daiwa Anglo-Japanese, realizó un posgrado en japones en los años 90. Trabajó en el estudio Mejiro en Japón y escribió una monografía sobre Bernard Leach. Fue precisamente en este periodo que comenzó a realizar la serie de frascos de porcelana que le hicieron conocido.

En 1993 regresó a Inglaterra, se instaló en Londres y comenzó a trabajar en sus cerámicas y porcelanas con esmalte. Innovó, exploró y cambio sus diseños hasta crear su propio estilo característico.  Su primera exposición fue en el Egg London en 1995.

De 2004 a 2011, fue profesor de cerámica en la Universidad de Westminster; además fue fideicomisario del Victoria & Albert Museum entre 2011 y 2019.  En 2013 se emitió un documental sobre su obra, mientras se preparaba para su debut en Nueva York con la exposición Atemwende. Esta exposición se estuvo inspirada en la poesía de Paul Celan.

De Waal ha exhibido sus obras en el Tate Britain, Chatsworth, Kettle’s Yard, el Fitzwilliam Museum, la Southwark Cathedral y el Victoria and Albert Museum, entre otros.

De Wall como autor

Su primer escrito fue la monografía sobre Bernard Leach, publicada en 1998. Le siguieron los libros sobre cerámica Design Sourcebook: Ceramics (1999) y 20th Century Ceramics (2003) y, en 2007, publicó otra obra sobre Leach titulada Rethinking Bernard Leach: Studio Pottery and Contemporary Ceramics. Su primera novela fue la memoria La liebre con ojos de ámbar (2010), obra que cuenta la historia de sus antepasados, los empresarios judíos, y Europa de una forma original, usando a los Netsuke. La belleza y originalidad de la obra le valió la fama internacional, así como varios premios. Por esta recibió el Costa Biography Award (2011), el Ondaatje Prize (2011) y el Windham–Campbell Literature Prize de 2015. Además, obtuvo la Orden del Imperio Británico.

Su segunda novela The White Road, enfocada en la historia de la porcelana, vio la luz en 2015.

Entre sus últimos trabajos están las exposiciones Elective Affinities (2019), a sort of speech (2019), im Goldhaus (2019) y Library of Exile (2019-20).

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Boris Arvatov

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Biografía de Boris Arvatov
Tomada de http://intranet.pogmacva.com/en/autores/34937

Biografía de Boris Arvatov

Boris Ignatievich Arvatov (1896-1940) fue un artista, escritor y critico de arte ruso, activo en el movimiento constructivista. Nacido en una familia de juristas, Arvatov tuvo sus inicios literarios en Varsovia. Fue miembro del Partido Comunista desde 1918 y estuvo involucrado, junto a otros, en el  Instituto de Cultura Artística. Allí conoció a los teóricos vanguardistas Osip Brik, Nikolai Tarabukin y  Boris Kushner. Fue miembro fundador de LEF . Su obra principal Arte y Producción apareció por primera vez en 1926.

Vida

Arvatov nació en Vilkaviškis en un familia de juristas. Su padre era especialista en derecho aduanero.  Tenía dos hermanos: Yuri y Vadim. Sus inicios literarios se produjeron en Varsovia. En 1918 se unió al Partido Comunista y como comisario político, en la década de 1920,  participó en la guerra polaco-soviética. Desde 1918  llevó a cabo una intensa actividad teórica y práctica dentro de los Proletkult (proletárskaya kultura) de Moscú.

Constructivismo y productivismo

Iskusstvo i klassy,

Iskusstvo i klassy, 1923.Tomada de monoskop.org/Boris_Arvatov

Estuvo involucrado con el Instituto de Cultura Artística (Injuk), cuando este se fundó en 1920. En el instituto conoció a sus compañeros teóricos Osip Brik, Boris Kushner y Nikolai Tarabukin, con quienes desarrolló el enfoque productivista del papel del ‘artista’. Como muchos otros constructivistas de origen ruso, Arvatov creía que el arte debía orientarse hacia un enfoque más industrial, donde se produjeran objetos que fueran socialmente útiles, aunque conservando la estética.

Fue uno de los miembros fundadores de LEF, colectivo cuyas iniciales daban título a su vez a una famosa revista de vanguardia. Arvatov fue uno de los principales difusores y defensores de la teoría estética del productivismo. En 1926 publicó su obra más conocida, titulada Arte y producción. También se destacan: Iskusstvo i klasy (Arte y clases sociales), de 1923; Sotsiologicheskaia poetika (La poética sociológica) de 1928; y  Ob agit i proz-iskusstve (Sobre el arte productivista y de agitación) de 1930.

Muerte

Aratov se suicido en 1940, después de pasar diez años en un sanatorio psiquiátrico.

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Alexander Vesnin

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Biografía de Alexander Vesnin
Tomada de https://co.pinterest.com/abdulaziz_kazmouz/_saved/

Biografía de Alexander Vesnin

Alexander Aleksandrovich Vesnin (28 de mayo de 1883 – 7 de septiembre de 1959) Arquitecto ruso, que junto a su hermanos, Leonid y Viktor, fue un referente de la arquitectura constructivista. Habiendo estudiado en Moscú y San Petersburgo,  Vesnin entró en contacto, a principios de la década de 1910, con el cubismo y posteriormente se adscribió al constructivismo. En el taller de Tatlin conoció a Popova y Udaltsova; también estuvo en contacto con Ródchenko. Su trabajo fue parte de la exposición 5×5=25. Vesnin combinó la practica de la arquitectura y de la pintura a lo largo de su vida. Se distinguió especialmente por su dibujos en perspectiva.

Primeros años

Vesnin nació en Yúrievets, el 28 de mayo de 1883. Estudió ingeniería en Moscú y San Petersburgo al igual que sus dos hermanos mayores, Leonid (1880-1933) y Viktor (1882-1950), con quienes desarrollo la mayor parte de su carrera.  Más tarde asistió a clases con el pintor impresionista Konstantin Yuon e  interesado en las vanguardias, entre 1913 y 1914, experimentó con el cubismo en el taller de  Tatlin. En el taller conoció, entre otras, a las pintoras Liubov Popova y Nadeshda Udaltsova, ambas  grandes iconos de la vanguardia rusa.

Trayectoria y arte

Vesnin para Fedra.

Bocetos de Alexander Vesnin para Fedra. Dirección: A. Tairov, 1923

En el año 1918 , y con motivo de la celebración de la fiesta del 1 de mayo, participó en la decoración de la Plaza Roja de Moscú. Ya hacia 1920 comenzó a trabajar como escenógrafo. Colaboró  frecuentemente con Popova diseñando escenarios para festivales y para el teatro de Tairov. Una de sus principales puestas en escenas fue, sin duda,  El hombre que fue jueves, de Gilbert K. Chesterton, en 1923. Como muchos otros artistas constructivistas, Vesnin también se tomo el tiempo para enseñar. Entre 1921 y 1924 fue profesor en los Vjutemas (Talleres Superiores Artístico-Técnicos), donde trabajó nuevamente con Popova.

Durante esos años también colaboró en el Instituto de Cultura Artística (Injuk); allí conoció a otros pintores y artistas como el fotógrafo constructivista Aleksandr Ródchenko. Junto a este, Popova, Varvara Stepánova y Alexandra Ekster, Vesnin participó en la famosa exposición 5 x 5 = 25 de 1921.

Del suprematismo al constructivismo

Composicion abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Composición abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Desde finales de la década de 1910, Vesnin se había sentido atraído por el suprematismo, con el tiempo derivo en el constructivismo. Con sus hermanos intento llevar a termino los principios constructivistas, lo cual es patente en el diseño del Palacio del Trabajo de Moscú, que realizó con sus hermanos, o en el edificio del periódico Pravda ubicado en Leningrado. A Vesnin también se le debe la fundación de la OSA (Unión de Arquitectos Contemporáneos), creada en 1925 junto con Moisey Ginzburg.

Otros construcciones suyas son: la Estación Hidroeléctrica Dniéper, el edificio Club of Society of former political prisoners and exiles y el ZIL Culture Centre.

Últimos años

Después del regreso al Clasicismo a la Unión Soviética, Vesnin y sus hermanos no tuvieron más proyectos importantes.  La falta de encargos  llevó a que, tras la Segunda Guerra Mundial, Vesnin se dedicara fundamentalmente a la pintura y el dibujo. En este respecto, se destacan sus dibujos geométricos y en perspectiva.

Alexander Vesnin falleció el  7 de septiembre de 1959 en Moscú.

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Varvara Stepánova

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Biografía de Varvara Stepánova
Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Biografía de Varvara Stepánova

Varvara Fiódorovna Stepánova (1894-1858) fue una artista polifacética rusa, celebre exponente del constructivismo. Pintora, poeta y diseñadora gráfica, junto a su amiga Popova, renunció al caballete en favor de una arte utilitario. Diseño ropa, escenarios y varias publicaciones. Junto a su esposo, Aleksandr Ródchenko, Stepánova fue uno de los pilares del constructivismo. Participó en la famosa exposición de 1921  5 x 5 = 25.

Vida

De familia campesina, Stepánova nació en Kaunas en 1894. En 1910 comenzó estudios en el Instituto de arte de Kazan, donde conoció a su futuro esposo, el artista constructivista ruso Aleksandr Ródchenko. Con este se trasladó Moscú en 1912  y estando allí frecuentó el Instituto Stroganov.

Stepánova representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la revolución. En los años que precedieron a la Revolución de 1917 compartió un apartamento en Moscú con Kandinski y Ródchenko. Por medio de Kandinski conoció a Aleksandra Ekster y a Liubov Popova, otras dos grandes artistas de la vanguardia rusa.

Constructivismo

Antes de militar en el constructivismo, Stepánova  diseñó obras cubofuturistas. Como constructivista, se comprometió con la idea del que el arte  debía de ser útil y accesible para todos. Fue miembro del Instituto de Cultura Artística(Injuk), dirigido por Kandinski , y en 1921, firmó el manifiesto con el que se anunciaba la renuncia a la pintura de caballete en favor de un arte más utilitario. Con este manifiesto, firmado por varios artistas del Injuk, surgió el productivismo.

Con Popova, se dedicó al diseño gráfico y textil, construyó escenografías y publicaciones. Compagino su actividad artística con otros trabajos. Entonces, fue secretaria en una fabrica y saco tiempo para la docencia. El año del manifiesto, Stepánova participó también en la famosa exposición 5 x 5 = 25. En la exposición se mostraron las obras de su esposo, Exter y Popova, y las de otros artistas de vanguardia.

Stepánova fue, así, pilar del constructivismo y una de las principales diseñadoras del comunismo visual. Su obra poética estaría influenciada por los poetas del futurismo ruso.   Se la conocía como La artista frenética, por sus ganas  frenéticas de experimentar y probarlo todo.

Stepánova falleció  el 20 de mayo de 1958 en Moscú.

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