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Historia de The Who

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Historia de The Who
Foto: Jim Summaria / CC BY-SA 3.0

Historia de The Who

The Who es una banda de rock de origen británico formada en 1962 y que significó es uno de los grandes referentes del género. 27 de sus canciones estuvieron dentro de los primeros cuarenta puestos de las listas de habla inglesa, 17 de sus álbumes estuvieron en los primeros diez puesto, consiguieron 5 discos multi-platino, 12 de platino y 18 de oro, además de vender más de 100 millones de copias en todo el globo.

El origen de la banda se remonta a 1962, cuando Roger Daltrey, guitarrista principal de la entonces The Detours, se encontró en la calle con Pete Townshend, quien tocaba el banjo en The Confederates, y lo invitó a su banda. Pete aceptó e invitó a su vez a un compañero de su antigua banda, John Entwistle. De esta forma, quedó completa una banda de Rhythm and Blues con influencias del country y del blues americano conformada, además, por Doug Sandom como baterista y por Colin Dawson como vocalista, quien poco tiempo después saldría del grupo. Debido a esto Daltrey pasó a ser el vocalista y Townshend el único guitarrista. Con esta alineación, The Detours comenzó a hacer pequeñas presentaciones y a buscar un sello con el cual grabar. No obstante, todas las disqueras los rechazaron por no poseer material inédito y por la falta de técnica de Sandom, por lo que este se salió del grupo y dio paso a Keith Moon. Con esta formación y llamándose The High Numbers publicaron el sencillo Zoot Suit/I’m the Face, que fracasó estrepitosamente, por lo que cambiaron a su actual mánager, Peter Meaden, por Chris Stamp y Kit Lambert; y cambiaron el nombre de la banda por el The Who. De esta forma, comenzaron a cobrar notoriedad en la escena local y a diferenciarse del resto de bandas por destruir sus instrumentos en las presentaciones.

En 1965, la banda publicó el sencillo I Can`t Explain, el primer éxito de The Who, que logró posicionarse entre los primeros diez puestos de la lista inglesa. Seguido del sencillo Anyway, Anyhow, Anywhere, el grupo publicó su álbum debut, My Generation, un conjunto en su gran mayoría de sonido R&B, aunque con canciones como The Kids Are Alright, más cercana al pop, o la homónima My Generation, de una agresividad que presagiaba el advenimiento del punk rock y con solo de bajo insólito hasta el momento. Después publicaron en 1966 A Quick One, álbum que palidecía un poco ante su antecesor, y The Who Sell Out en 1967, un trabajo conceptual del que se destaca el sencillo I Can See For Miles. Si bien ambos productos no consolidaron del todo la imagen de la banda, sí lo fue la gira que realizaron por Estados Unidos, llena de actuaciones agresivas; su aparición en la televisión americana; y los incidentes destructivos que realizaron en el hotel Holiday Inn en Flint, Michigan. Terminando 1968, la banda publicó la ópera rock Tommy, que resultó ser un rotundo éxito tanto en ventas como entre la crítica, que los reconoció como la mejor agrupación del momento. Para esas mismas fechas, The Who además se presentó en el Festival de Woodstock, con lo que terminaron de consolidar su imagen.

The Who inició la década del setenta participando en el documental de la BBC titulado Pop Go The Sixties y grabando el que es considerado como el mejor álbum en vivo del rock en la historia, Live at Leeds. Queriendo continuar el éxito de su ópera rock, Townshend se embarcó en la construcción de una segunda obra de este género a la que iba a llamar Lifehouse. No obstante, esta tenía muchos problemas narrativos y terminó fracasando sin ser completada; aun así, varias de sus canciones fueron extraídas para formar un nuevo álbum que sería publicado en 1971 bajo el título de Who’s Next. Luego de este trabajo, la banda publicó otra ópera rock, Quadrophenia, que debido a su sobre instrumentación fue acusada de grandilocuente sin que esto afectara su éxito. Tras esto, el baterista Keith Moon se volvió alcohólico por la separación que tuvo con su esposa, quien se llevó a su hija, y luego de que la banda publicara el álbum The Who By Numbers en 1975, de sonido depresivo por los problemas que también estaba teniendo Townshend, Keith Moon murió tras abusar de las pastillas con las que controlaba su alcoholismo. Luego de este incidente, la banda grabó dos álbumes más con el baterista Kenney Jonnes, Face Dances para 1981 e It’s Hard para 1982, y realizó una gira de despedida porque Townshend quería hacer de The Who una banda de estudio. Sin embargo, para 1983 Townshend se confesó incapaz de componer algo nuevo para el grupo, por lo que anunció su salida del mismo.

Tras esta disolución, The Who fue introducida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1990 y el grupo realizó algunas presentaciones ocasionales sin reunirse oficialmente hasta 1999, cuando dieron una gira de conciertos para recaudar fondos benéficos y que, por el éxito de los mismos, propicio otra en Estados Unidos para el año 2000. Luego de estos hechos, la banda realizó presentaciones en Australia, Estados Unidos, Reino Unido y Japón y publicó el álbum Endless Wire en 2006, después de 25 años sin grabar, el cual se posicionó en el séptimo puesto de la Billboard 200. En los años siguientes, The Who continuó dando conciertos y reeditó los álbumes Live at Leeds y Quadrophenia.

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Boris Arvatov

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Biografía de Boris Arvatov
Tomada de http://intranet.pogmacva.com/en/autores/34937

Biografía de Boris Arvatov

Boris Ignatievich Arvatov (1896-1940) fue un artista, escritor y critico de arte ruso, activo en el movimiento constructivista. Nacido en una familia de juristas, Arvatov tuvo sus inicios literarios en Varsovia. Fue miembro del Partido Comunista desde 1918 y estuvo involucrado, junto a otros, en el  Instituto de Cultura Artística. Allí conoció a los teóricos vanguardistas Osip Brik, Nikolai Tarabukin y  Boris Kushner. Fue miembro fundador de LEF . Su obra principal Arte y Producción apareció por primera vez en 1926.

Vida

Arvatov nació en Vilkaviškis en un familia de juristas. Su padre era especialista en derecho aduanero.  Tenía dos hermanos: Yuri y Vadim. Sus inicios literarios se produjeron en Varsovia. En 1918 se unió al Partido Comunista y como comisario político, en la década de 1920,  participó en la guerra polaco-soviética. Desde 1918  llevó a cabo una intensa actividad teórica y práctica dentro de los Proletkult (proletárskaya kultura) de Moscú.

Constructivismo y productivismo

Iskusstvo i klassy,

Iskusstvo i klassy, 1923.Tomada de monoskop.org/Boris_Arvatov

Estuvo involucrado con el Instituto de Cultura Artística (Injuk), cuando este se fundó en 1920. En el instituto conoció a sus compañeros teóricos Osip Brik, Boris Kushner y Nikolai Tarabukin, con quienes desarrolló el enfoque productivista del papel del ‘artista’. Como muchos otros constructivistas de origen ruso, Arvatov creía que el arte debía orientarse hacia un enfoque más industrial, donde se produjeran objetos que fueran socialmente útiles, aunque conservando la estética.

Fue uno de los miembros fundadores de LEF, colectivo cuyas iniciales daban título a su vez a una famosa revista de vanguardia. Arvatov fue uno de los principales difusores y defensores de la teoría estética del productivismo. En 1926 publicó su obra más conocida, titulada Arte y producción. También se destacan: Iskusstvo i klasy (Arte y clases sociales), de 1923; Sotsiologicheskaia poetika (La poética sociológica) de 1928; y  Ob agit i proz-iskusstve (Sobre el arte productivista y de agitación) de 1930.

Muerte

Aratov se suicido en 1940, después de pasar diez años en un sanatorio psiquiátrico.

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Alexander Vesnin

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Biografía de Alexander Vesnin
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Biografía de Alexander Vesnin

Alexander Aleksandrovich Vesnin (28 de mayo de 1883 – 7 de septiembre de 1959) Arquitecto ruso, que junto a su hermanos, Leonid y Viktor, fue un referente de la arquitectura constructivista. Habiendo estudiado en Moscú y San Petersburgo,  Vesnin entró en contacto, a principios de la década de 1910, con el cubismo y posteriormente se adscribió al constructivismo. En el taller de Tatlin conoció a Popova y Udaltsova; también estuvo en contacto con Ródchenko. Su trabajo fue parte de la exposición 5×5=25. Vesnin combinó la practica de la arquitectura y de la pintura a lo largo de su vida. Se distinguió especialmente por su dibujos en perspectiva.

Primeros años

Vesnin nació en Yúrievets, el 28 de mayo de 1883. Estudió ingeniería en Moscú y San Petersburgo al igual que sus dos hermanos mayores, Leonid (1880-1933) y Viktor (1882-1950), con quienes desarrollo la mayor parte de su carrera.  Más tarde asistió a clases con el pintor impresionista Konstantin Yuon e  interesado en las vanguardias, entre 1913 y 1914, experimentó con el cubismo en el taller de  Tatlin. En el taller conoció, entre otras, a las pintoras Liubov Popova y Nadeshda Udaltsova, ambas  grandes iconos de la vanguardia rusa.

Trayectoria y arte

Vesnin para Fedra.

Bocetos de Alexander Vesnin para Fedra. Dirección: A. Tairov, 1923

En el año 1918 , y con motivo de la celebración de la fiesta del 1 de mayo, participó en la decoración de la Plaza Roja de Moscú. Ya hacia 1920 comenzó a trabajar como escenógrafo. Colaboró  frecuentemente con Popova diseñando escenarios para festivales y para el teatro de Tairov. Una de sus principales puestas en escenas fue, sin duda,  El hombre que fue jueves, de Gilbert K. Chesterton, en 1923. Como muchos otros artistas constructivistas, Vesnin también se tomo el tiempo para enseñar. Entre 1921 y 1924 fue profesor en los Vjutemas (Talleres Superiores Artístico-Técnicos), donde trabajó nuevamente con Popova.

Durante esos años también colaboró en el Instituto de Cultura Artística (Injuk); allí conoció a otros pintores y artistas como el fotógrafo constructivista Aleksandr Ródchenko. Junto a este, Popova, Varvara Stepánova y Alexandra Ekster, Vesnin participó en la famosa exposición 5 x 5 = 25 de 1921.

Del suprematismo al constructivismo

Composicion abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Composición abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Desde finales de la década de 1910, Vesnin se había sentido atraído por el suprematismo, con el tiempo derivo en el constructivismo. Con sus hermanos intento llevar a termino los principios constructivistas, lo cual es patente en el diseño del Palacio del Trabajo de Moscú, que realizó con sus hermanos, o en el edificio del periódico Pravda ubicado en Leningrado. A Vesnin también se le debe la fundación de la OSA (Unión de Arquitectos Contemporáneos), creada en 1925 junto con Moisey Ginzburg.

Otros construcciones suyas son: la Estación Hidroeléctrica Dniéper, el edificio Club of Society of former political prisoners and exiles y el ZIL Culture Centre.

Últimos años

Después del regreso al Clasicismo a la Unión Soviética, Vesnin y sus hermanos no tuvieron más proyectos importantes.  La falta de encargos  llevó a que, tras la Segunda Guerra Mundial, Vesnin se dedicara fundamentalmente a la pintura y el dibujo. En este respecto, se destacan sus dibujos geométricos y en perspectiva.

Alexander Vesnin falleció el  7 de septiembre de 1959 en Moscú.

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Varvara Stepánova

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Biografía de Varvara Stepánova
Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Biografía de Varvara Stepánova

Varvara Fiódorovna Stepánova (1894-1858) fue una artista polifacética rusa, celebre exponente del constructivismo. Pintora, poeta y diseñadora gráfica, junto a su amiga Popova, renunció al caballete en favor de una arte utilitario. Diseño ropa, escenarios y varias publicaciones. Junto a su esposo, Aleksandr Ródchenko, Stepánova fue uno de los pilares del constructivismo. Participó en la famosa exposición de 1921  5 x 5 = 25.

Vida

De familia campesina, Stepánova nació en Kaunas en 1894. En 1910 comenzó estudios en el Instituto de arte de Kazan, donde conoció a su futuro esposo, el artista constructivista ruso Aleksandr Ródchenko. Con este se trasladó Moscú en 1912  y estando allí frecuentó el Instituto Stroganov.

Stepánova representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la revolución. En los años que precedieron a la Revolución de 1917 compartió un apartamento en Moscú con Kandinski y Ródchenko. Por medio de Kandinski conoció a Aleksandra Ekster y a Liubov Popova, otras dos grandes artistas de la vanguardia rusa.

Constructivismo

Antes de militar en el constructivismo, Stepánova  diseñó obras cubofuturistas. Como constructivista, se comprometió con la idea del que el arte  debía de ser útil y accesible para todos. Fue miembro del Instituto de Cultura Artística(Injuk), dirigido por Kandinski , y en 1921, firmó el manifiesto con el que se anunciaba la renuncia a la pintura de caballete en favor de un arte más utilitario. Con este manifiesto, firmado por varios artistas del Injuk, surgió el productivismo.

Con Popova, se dedicó al diseño gráfico y textil, construyó escenografías y publicaciones. Compagino su actividad artística con otros trabajos. Entonces, fue secretaria en una fabrica y saco tiempo para la docencia. El año del manifiesto, Stepánova participó también en la famosa exposición 5 x 5 = 25. En la exposición se mostraron las obras de su esposo, Exter y Popova, y las de otros artistas de vanguardia.

Stepánova fue, así, pilar del constructivismo y una de las principales diseñadoras del comunismo visual. Su obra poética estaría influenciada por los poetas del futurismo ruso.   Se la conocía como La artista frenética, por sus ganas  frenéticas de experimentar y probarlo todo.

Stepánova falleció  el 20 de mayo de 1958 en Moscú.

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