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Bob Dylan

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Biografía de Bob Dylan
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BIOGRAFÍA DE BOB DYLAN

 

Bob Dylan es un Cantante, compositor y poeta estadounidense, considerado como una de las figuras más prolíficas e influyentes de su generación en la música popular de los siglos XX y comienzos del XXI. Nació en Duluth, Minnesota el 24 de mayo de 1941, al nacer fue registrado con el nombre de Robert Allen Zimmerman. Se crio en las colinas de hierro Mesabi, en Hibbing. Es hijo de Abram Zimmerman y Beatrice Stone.

Desde su infancia mostró un gran interés por la música y la poesía, conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo; también aprendió a tocar la guitarra y el piano. Formó varias bandas, su primer grupo influenciado por Elvis y Jerry Lee Lewis.

En el año de 1959, inició sus estudios en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk estadounidense, usualmente visitaba los locales nocturnos en los que se interpretaba la música que le gustaba, por lo que pasaba más tiempo cantando, tocando la guitarra y la armónica que estudiando.

Se apasionó por la poesía de Dylan Thomas, razón por la cual, en homenaje a él, optó por el nombre artístico de Bob Dylan. En ese tiempo, decidió abandonar definitivamente sus estudios universitarios para dedicarse por completo a la música.

En el año de 1961 se trasladó a Nueva York, donde empezó a cantar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos. Con sus letras de alto contenido poético transmitía mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular, sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.

En marzo de 1962, Bob Dylan publicó su álbum debut con Columbia, integrado por material tradicional folk, blues, y góspel con dos composiciones propias: “Song to Woody” y “Talkin´ New York”, el álbum no tuvo mucho éxito comercial. Dylan también grabó varias canciones con el seudónimo de Blind Boy Grunt para Broadside Magazine, una revista y sello discográfico de folk. Uso otros seudónimos: Bob Landy para tocar piano en The Blues Project, una antología publicada por Elektra Records en 1964 y el de Tedham Porterhause para tocar la armónica en un álbum Ramblin´ Jack Eliott.

En agosto de 1962, dio dos importantes pasos en su carrera musical. Cambió su nombre legal por el de Bob Dylan y firmo un contrato de representación con Albert Grossman quien fuera su representante hasta 1970.

En el año de 1963, publicó su segundo disco “The Freewheelin Bob Dylan” que fue un gran éxito, entre las canciones de este álbum destaca Blowin´ In The Wind, convertida muy pronto en un himno generacional y fue rápidamente traducida a varios idiomas convirtiéndose en una figura de proyección internacional.

En 1964 llegó su tercer disco llamado “The Times They Are A-Changin´”, es decir los tiempos están cambiando.

En 1965 sacó su disco titulado “Highway 61 Revisited”, que incluye el tema Like a Rolling Stone, esta canción, un auténtico exponente del genuino rock-and-roll, marcó el inicio del Dylan rockero.

Dylan contrajo matrimonio en secreto con la ex-modelo Sara Lownds el 22 de noviembre de 1965.

El 1 de junio de 1966 conquisto Europa desde el Olympia de Paris, el 29 de Julio del mismo año sufrió un accidente de moto retirándose de los escenarios por unos años.

En 1970 se estrenó la película: “El precio del fracaso”, dirigida por Sidney J. Furie y con banda sonora de Bob Dylan. Tres años después llegó a la gran pantalla un nuevo filme con música de Dylan: “Pat Garret y Billy The Ki”, dirigida por Sam Peckinpah y en la cual el cantante interpretaba un pequeño papel.

En el año de 1975 rodó su única película como director, Renaldo y Clara, y tres años después apareció en un documental firmado por Martin Scorsese titulado “El último vals”. Para este último trabajo, el director americano se basó en el histórico concierto de despedida de The Band, el grupo que entre mediados de la década de 1960 y mediados de la siguiente acompañaba a Bob Dylan en muchos de sus recitales.

Las canciones de Bob Dylan de la década de 1980, se basaban principalmente a sus inquietudes religiosas, y sus letras adquieren una notable profundidad. Dylan volvió a salir brevemente de gira para una serie de conciertos etiquetados como “A Musical Retrospective”, donde volvió a cantar el repertorio de canciones populares de la década de los años 60.

Bob Dylan comenzó la década de los noventa grabando Under The Red Sky, un cambio radical de postura con respecto a su predecesor, Oh Mercy. El álbum incluyó canciones de rock con letras aparentemente simples como “Under the Red Sky” y “Wiggle Wiggle” que fue sujeto de crítica por la prensa musical.

 

Premios

A lo largo de su carrera ha recibido premios como: el doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas.

En el año 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys, dirigida por Curtis Hanson.

En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modem Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además, recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.

En junio de 2007, el músico fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y un año después recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su profundo impacto en la música popular y en la cultura norteamericana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético.

En mayo de 2012, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad por parte del Presidente Barack Obama.

En noviembre de 2013, Bob Dylan recibió el premio de la Legión de Honor por parte del ministro francés de Educación Aurélie Filippetti.

En febrero de 2015, Dylan aceptó el premio Persona del año MusiCares de la National Academy Of Recording Arts Sciences, en reconocimiento de sus contribuciones artísticas y filantrópicas a la sociedad.

El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca le otorgó el Premio Nobel de Literatura por haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición de la canción estadounidense, El periódico The New York Times informó que Dylan, a sus 75 años, es el primer músico en ganar es premio.

El 2 de abril de 2017, la secretaria de la Academia Sueca Sara Danius anunció que la Academia se había reunido con Bob Dylan en una ceremonia privada en Estocolmo, aprovechando la presencia del cantante para dar dos conciertos en la ciudad, durante la cual la Academia le felicitó por el premio, y Bob Dylan recibió su medalla y diploma: “Doce miembros de la Academia se encontraban presentes.

Ahora el nombre de Bob Dylan se inscribe como el primer músico de la historia en recibir el “Premio Nobel de Literatura”.

 

Trabajos discográficos

  • 1962: Bob Dylan
  • 1963: The Freewheelin´Bob Dylan
  • 1964: The Times They Are a-Changin´
  • 1964: Another Side of Bob Dylan
  • 1965: Bringinf It All Back Home
  • 1965: Highway 61 Revisited
  • 1966: Blonde on Blonde
  • 1967: John Wesley Harding
  • 1969: Nashville Skyline
  • 1970: Self Portrait
  • 1970: New Morning
  • 1973: Pat Garrett & Billy the Kid
  • 1974: Planet Waves
  • 1974: Before the Flood
  • 1975: Blood on the Tracks
  • 1976: Desire
  • 1976: Hard Rain
  • 1978: Street Legal
  • 1979: Slow Train Coming
  • 1979: Bob Dylan at Budokan
  • 1980: Saved
  • 1981: Shot of Love
  • 1983: Infidels
  • 1984: Real Live
  • 1985: Empire Burlesque
  • 1986: Knocked Out Loaded
  • 1988: Down in the Groove
  • 1989: Dylan & the Dead
  • 1989: Oh Mercy
  • 1990: Under the Red Sky
  • 1992: Good as I Been to You
  • 1993: The 30th Anniversary Concert Celebration
  • 1993: World Gone Wrong
  • 1995: MTV Unplugged
  • 1997: Time Out of Mind
  • 2001: Love and Theft
  • 2006: Modern Times
  • 2009: Together Through Life
  • 2009: Chistmas in the Heart
  • 2012: Tempest
  • 2015: Shadows in the Night
  • 2016: Fallen Angels
  • 2017: Triplic

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Boris Arvatov

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Biografía de Boris Arvatov
Tomada de http://intranet.pogmacva.com/en/autores/34937

Biografía de Boris Arvatov

Boris Ignatievich Arvatov (1896-1940) fue un artista, escritor y critico de arte ruso, activo en el movimiento constructivista. Nacido en una familia de juristas, Arvatov tuvo sus inicios literarios en Varsovia. Fue miembro del Partido Comunista desde 1918 y estuvo involucrado, junto a otros, en el  Instituto de Cultura Artística. Allí conoció a los teóricos vanguardistas Osip Brik, Nikolai Tarabukin y  Boris Kushner. Fue miembro fundador de LEF . Su obra principal Arte y Producción apareció por primera vez en 1926.

Vida

Arvatov nació en Vilkaviškis en un familia de juristas. Su padre era especialista en derecho aduanero.  Tenía dos hermanos: Yuri y Vadim. Sus inicios literarios se produjeron en Varsovia. En 1918 se unió al Partido Comunista y como comisario político, en la década de 1920,  participó en la guerra polaco-soviética. Desde 1918  llevó a cabo una intensa actividad teórica y práctica dentro de los Proletkult (proletárskaya kultura) de Moscú.

Constructivismo y productivismo

Iskusstvo i klassy,

Iskusstvo i klassy, 1923.Tomada de monoskop.org/Boris_Arvatov

Estuvo involucrado con el Instituto de Cultura Artística (Injuk), cuando este se fundó en 1920. En el instituto conoció a sus compañeros teóricos Osip Brik, Boris Kushner y Nikolai Tarabukin, con quienes desarrolló el enfoque productivista del papel del ‘artista’. Como muchos otros constructivistas de origen ruso, Arvatov creía que el arte debía orientarse hacia un enfoque más industrial, donde se produjeran objetos que fueran socialmente útiles, aunque conservando la estética.

Fue uno de los miembros fundadores de LEF, colectivo cuyas iniciales daban título a su vez a una famosa revista de vanguardia. Arvatov fue uno de los principales difusores y defensores de la teoría estética del productivismo. En 1926 publicó su obra más conocida, titulada Arte y producción. También se destacan: Iskusstvo i klasy (Arte y clases sociales), de 1923; Sotsiologicheskaia poetika (La poética sociológica) de 1928; y  Ob agit i proz-iskusstve (Sobre el arte productivista y de agitación) de 1930.

Muerte

Aratov se suicido en 1940, después de pasar diez años en un sanatorio psiquiátrico.

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Alexander Vesnin

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Biografía de Alexander Vesnin
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Biografía de Alexander Vesnin

Alexander Aleksandrovich Vesnin (28 de mayo de 1883 – 7 de septiembre de 1959) Arquitecto ruso, que junto a su hermanos, Leonid y Viktor, fue un referente de la arquitectura constructivista. Habiendo estudiado en Moscú y San Petersburgo,  Vesnin entró en contacto, a principios de la década de 1910, con el cubismo y posteriormente se adscribió al constructivismo. En el taller de Tatlin conoció a Popova y Udaltsova; también estuvo en contacto con Ródchenko. Su trabajo fue parte de la exposición 5×5=25. Vesnin combinó la practica de la arquitectura y de la pintura a lo largo de su vida. Se distinguió especialmente por su dibujos en perspectiva.

Primeros años

Vesnin nació en Yúrievets, el 28 de mayo de 1883. Estudió ingeniería en Moscú y San Petersburgo al igual que sus dos hermanos mayores, Leonid (1880-1933) y Viktor (1882-1950), con quienes desarrollo la mayor parte de su carrera.  Más tarde asistió a clases con el pintor impresionista Konstantin Yuon e  interesado en las vanguardias, entre 1913 y 1914, experimentó con el cubismo en el taller de  Tatlin. En el taller conoció, entre otras, a las pintoras Liubov Popova y Nadeshda Udaltsova, ambas  grandes iconos de la vanguardia rusa.

Trayectoria y arte

Vesnin para Fedra.

Bocetos de Alexander Vesnin para Fedra. Dirección: A. Tairov, 1923

En el año 1918 , y con motivo de la celebración de la fiesta del 1 de mayo, participó en la decoración de la Plaza Roja de Moscú. Ya hacia 1920 comenzó a trabajar como escenógrafo. Colaboró  frecuentemente con Popova diseñando escenarios para festivales y para el teatro de Tairov. Una de sus principales puestas en escenas fue, sin duda,  El hombre que fue jueves, de Gilbert K. Chesterton, en 1923. Como muchos otros artistas constructivistas, Vesnin también se tomo el tiempo para enseñar. Entre 1921 y 1924 fue profesor en los Vjutemas (Talleres Superiores Artístico-Técnicos), donde trabajó nuevamente con Popova.

Durante esos años también colaboró en el Instituto de Cultura Artística (Injuk); allí conoció a otros pintores y artistas como el fotógrafo constructivista Aleksandr Ródchenko. Junto a este, Popova, Varvara Stepánova y Alexandra Ekster, Vesnin participó en la famosa exposición 5 x 5 = 25 de 1921.

Del suprematismo al constructivismo

Composicion abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Composición abstracta, 1922. Tomada de Pinterest

Desde finales de la década de 1910, Vesnin se había sentido atraído por el suprematismo, con el tiempo derivo en el constructivismo. Con sus hermanos intento llevar a termino los principios constructivistas, lo cual es patente en el diseño del Palacio del Trabajo de Moscú, que realizó con sus hermanos, o en el edificio del periódico Pravda ubicado en Leningrado. A Vesnin también se le debe la fundación de la OSA (Unión de Arquitectos Contemporáneos), creada en 1925 junto con Moisey Ginzburg.

Otros construcciones suyas son: la Estación Hidroeléctrica Dniéper, el edificio Club of Society of former political prisoners and exiles y el ZIL Culture Centre.

Últimos años

Después del regreso al Clasicismo a la Unión Soviética, Vesnin y sus hermanos no tuvieron más proyectos importantes.  La falta de encargos  llevó a que, tras la Segunda Guerra Mundial, Vesnin se dedicara fundamentalmente a la pintura y el dibujo. En este respecto, se destacan sus dibujos geométricos y en perspectiva.

Alexander Vesnin falleció el  7 de septiembre de 1959 en Moscú.

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Varvara Stepánova

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Biografía de Varvara Stepánova
Unknown authorUnknown author, Public domain, via Wikimedia Commons

Biografía de Varvara Stepánova

Varvara Fiódorovna Stepánova (1894-1858) fue una artista polifacética rusa, celebre exponente del constructivismo. Pintora, poeta y diseñadora gráfica, junto a su amiga Popova, renunció al caballete en favor de una arte utilitario. Diseño ropa, escenarios y varias publicaciones. Junto a su esposo, Aleksandr Ródchenko, Stepánova fue uno de los pilares del constructivismo. Participó en la famosa exposición de 1921  5 x 5 = 25.

Vida

De familia campesina, Stepánova nació en Kaunas en 1894. En 1910 comenzó estudios en el Instituto de arte de Kazan, donde conoció a su futuro esposo, el artista constructivista ruso Aleksandr Ródchenko. Con este se trasladó Moscú en 1912  y estando allí frecuentó el Instituto Stroganov.

Stepánova representó a la segunda generación de la vanguardia rusa, que simpatizaba con la revolución. En los años que precedieron a la Revolución de 1917 compartió un apartamento en Moscú con Kandinski y Ródchenko. Por medio de Kandinski conoció a Aleksandra Ekster y a Liubov Popova, otras dos grandes artistas de la vanguardia rusa.

Constructivismo

Antes de militar en el constructivismo, Stepánova  diseñó obras cubofuturistas. Como constructivista, se comprometió con la idea del que el arte  debía de ser útil y accesible para todos. Fue miembro del Instituto de Cultura Artística(Injuk), dirigido por Kandinski , y en 1921, firmó el manifiesto con el que se anunciaba la renuncia a la pintura de caballete en favor de un arte más utilitario. Con este manifiesto, firmado por varios artistas del Injuk, surgió el productivismo.

Con Popova, se dedicó al diseño gráfico y textil, construyó escenografías y publicaciones. Compagino su actividad artística con otros trabajos. Entonces, fue secretaria en una fabrica y saco tiempo para la docencia. El año del manifiesto, Stepánova participó también en la famosa exposición 5 x 5 = 25. En la exposición se mostraron las obras de su esposo, Exter y Popova, y las de otros artistas de vanguardia.

Stepánova fue, así, pilar del constructivismo y una de las principales diseñadoras del comunismo visual. Su obra poética estaría influenciada por los poetas del futurismo ruso.   Se la conocía como La artista frenética, por sus ganas  frenéticas de experimentar y probarlo todo.

Stepánova falleció  el 20 de mayo de 1958 en Moscú.

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